Reprise sans contour

edge 21 ==> X refus

Pendant ce week-end de Pâques, plus je regardais mon tableau moins il ne me paraissait «juste», «authentique». Je décidais alors de rebondir sur une phrase que j'avais transmise dans mon article précédent.
Je citais August Strindberg dans « Nuits de somnambule » :《[•••] refuser le dessin-contour qui mettrait la nature sous le contrôle de la raison et emprisonnerait ses incessantes métamorphoses.[•••]》.

Quoi de plus simple :

1. lavage à grande eau des parties à modifier ;
2. reprendre la composition très très rapidement aux pastels colorés ;
3. déplacer chaotiquement et fixer les couleurs en utilisant un fixatif au pinceau ou au linge .

Refuser le contour c'est offrir toutes les possibilités d'un nouveau départ. C'est repartir de l'Inconnu potentiellement omni-créateur. 

edge 21 , la reprise

N'est-ce pas aussi l'esprit du message pascal (Jésus n'est d'abord pas reconnu, car ses traits ont changé).

Mais bon, ce blog n'est pas fait pour des études théologiques rapides et bâclées.

Merci pour votre attention et bonne semaine.

And now, the google translations. Christina is ill in bed ((:o°

During this Easter weekend, the more I looked at my painting, the less it seemed "right", "authentic". I decided to bounce back on a sentence I had transmitted in my previous article.

I quoted August Strindberg in "Nuits de somnambule": "[...] refusing the drawing that would put nature under the control of reason and imprison its incessant metamorphoses."

What's simpler:

1. Flushing the parts to be modified;
2. Resume composition very quickly with colored pastels;
3. Move chaotically and fix the colors using a brush or laundry fixative.

To refuse the outline is to offer all the possibilities of a new beginning. It is starting from the potentially omnipotent Unknown.

Is not this also the spirit of the Easter message (Jesus is not recognized at first, for his features have changed).

But hey, this blog is not made for quick and botched theological studies.

Thank you for your attention and good week.

Peindre avec le temps

Georges Braque expliquait que le temps était un composant actif dans l'élaboration d'une toile. Il en voulait pour preuve ce récit : après avoir travaillé longtemps sur une peinture sans parvenir à la satisfaction, Braque, quelque peu frustré, avait pris sa toile pour la déposer par terre face au mur.
Quelques jours ou semaines plus tard, il la reprit pour l'examiner. Il découvrit -à sa grande surprise- que le tableau était désormais achevé. Il n'y avait évidemment aucun Lutin ou bon génie au service occulte de Braque. Non. Le seul génie à l'œuvre était sa capacité créatrice. Par simple évolution de sa pensée, Braque put considérer le tableau comme achevé, tel quel.
L'explication du phénomène est bien simple. Tous les Salons du temps des Impressionnistes et au-delà l'ont vu à l'œuvre. Dans un premier temps, l'esprit rechigne à considérer l'inconnu, l'étrange, l'étranger comme familier. Son instinct de préservation mettra en œuvre un processus de rejet, en provoquant un scandale par exemple.
Mais, petit à petit, si l'objet n'a pas été détruit ou si d'autres, semblables, ont réussi à émerger, c'est l'effet inverse qui se produit, soit par apprivoisement, soit par assimilation. Là aussi, le temps fut le maître d'œuvre de la réussite.

Cette longue introduction est là pour m'aider à raconter ce qui m'est arrivé lors de la réalisation de l'invitation n° 11. La composition entière tend à amener le regard vers le visage. Ce dernier doit donc être suffisamment intéressant pour mériter l'effort d'attention du spectateur. Mais comment faire ? Le regard est baissé, le visage est au tiers caché. Reste la chevelure.

Comment la rendre intéressante et expressive sur une si petite surface ?
On voit sur les premières reproductions que j'amoncelle des couches de peinture, cherchant le mouvement, le volume, la luminosité et ceci jusqu'au point où la surface est manifestement surchargée. Il me reste alors l'alternative de blanchir la surface avec une couche supplémentaire ou alors d'essayer de laver progressivement les couleurs en faisant une peinture par retrait. J'ai mis en œuvre cette dernière option pour obtenir ceci [tableau]
L'effet tel quel serait acceptable si un trait presque continu n'entourait la surface, transformant ma peinture en dessin. Il allait falloir chercher encore.
Quelques jours après j'étalai grossièrement à la spatule des jus très dilués de mes trois couleurs primaires, avec des traces de blanc ici et là. Dans un premier temps, le résultat me parut inacceptable. J'étais très déçu. Peu après, il me sembla que j'avais peint une sous-couche très intéressante à développer. J'étais heureux de cette perspective. Au moment où j'écris ces lignes, j'en suis venu à penser que cette chevelure était finalement telle que je la désirais sans le savoir vraiment !
Peut-être n'approuverez-vous pas mon choix.  Revenez le voir dans quelque temps, vous et lui serez peut-être apprivoisés.
Pour voir Le tableau entier (invitation n°11 tempera sur Arches 76x56cm)

And now, the english version by Christina

Georges Braque explained that "time" was an active component in the development of a canvas. He proved his allegation this way : after working a long time on a

première version ...en attente

painting without achieving satisfaction, Braque somewhat frustrated, placed his canvas on the floor facing the wall. A few days or weeks later, he went to examine it. He discovered -to his great surprise- that the painting was now completed. There was obviously no goblin nor good wizard working in secret for Braque. No. The only genius at work was his creative ability. By simple evolution of thought Braque could consider the picture complete as it was.
The explanation of the phenomenon is simple. All the Salons, from the time of the Impressionists and beyond, have seen it at work. First, the mind boggles to consider the unknown, the odd, the stranger as familiar. His instinct of preservation will implement a rejection process, causing a scandal for example.
But gradually, if the object has not been destroyed, or if others, similar, managed to emerge, the opposite effect occurs, either by taming, or by assimilation. Again, time was the architect of success.

This long introduction is here to help me tell what happened to me when making the Invitation No. 11. The entire composition tends to bring the look toward the face.This latter should be interesting enough to deserve the viewer's attention effort. But how to do it ? The gaze is down, one third of the face is hidden. Only the hair remain. How to make it interesting and expressive on such a small area?
We saw on the first reproductions of paintings that I piles up layers, seeking movement, volume, brightness, and this to the point where the surface is clearly overloaded. It remains then the alternative to bleach the surface with an extra layer or eventually try to gradually wash the colors making a painting by withdrawal. I implemented this last option to get this [painting]

La version définitive

The effect as it is would be acceptable if an almost continuous dash wasn't surrounding the area, transforming my painting into a drawing. One had to search further.
A few days later, I spread roughly with a spatula some very diluted juice of my three primary colors, with traces of white here and there. At first, the result seemed unacceptable. I was very disappointed. Soon after, it appeared that I had painted a sub-layer very interesting to develop. I was happy of that perspective. At the time I write this, I have come to think that this hair was finally as I wanted it to be, without knowing it really!
You may, or not, approve my choice. Come back to see it in a while, and maybe you'll tame it.

To see the entire painting (Invitation No. 11 tempera on Arches 76x56cm)

de la peinture à sa reproduction photo-numérique

Lorsqu'on termine une peinture et que l'on désire en partager l'image sur le web, ou en faire des tirages haut de gamme sur toile ou poster ou carte, la question se pose de savoir comment parvenir à une reproduction fidèle.

Voici une méthode que je viens de mettre en pratique et qui fonctionne vraiment bien.

Aquisition de l'image

 J'utilise un appareil photo numérique de 20 M. C'est le minimum pour faire des reproductions de format A3, A2, voire A1. Pour une peinture de 56x76 cm, je parviens à une résolution de 158 ppi, ce qui est acceptable pour une repro. On l'augmente à 300 ppi sans pixeliser de façon perceptible. Nous avons donc de l'excellente qualité pour les formats plus petits.

 Le second outil indispensable est une charte de couleur. C'est un peu cher à l'achat, mais c'est très rentable en terme de qualité et de temps. Il est en effet très difficile d'effectuer des corrections «à vue», tant notre cerveau est efficace en auto-correction.

 Le troisième outil indispensable est une bonne lumière. Si vous pouvez profiter d'un temps couvert mais lumineux, ce sera parfait.

 Un trépied peut s'avérer utile si votre apn n'a pas de correcteur de mouvement !

image 1 - résultat final

...Voici l'image que l'on voudrait obtenir ...

image 2 - capture de l'image

Mais lorsque j'ai fait ma photo, j'ai obtenu ceci ...

Pas de panique, voici comment procéder !

Traîtement de l'image

image 3 - prélevement du «blanc»

Chargez l'image dans GIMP et prélevez un échantillon de couleur dans la partie blanche de la charte (cercle rouge) avec l'outil pipette. Vous obtenez une sorte de gris clair. Ajoutez un nouveau calque rempli de cette couleur au-dessus de votre image de base.

image 4 - équilibrage des clairs

Passez ce calque en mode diviser. Votre équilibre des blancs est ok.

image 5 - prélèvement du noir

Prélevez un échantillon de couleur dans la partie noire de la charte (cercle rouge) avec l'outil pipette. Vous obtenez une sorte de gris foncé.  Ajoutez un nouveau calque rempli de cette couleur au-dessus des deux autres.

image 6 - équilibrage des sombres

Passez ce calque en mode superposer et réduisez son opacité à 50% (vérifiez tout de même le résultat).

Il vous reste à vous assurez de l'horizontalité de votre image, que vous allez finalement rogner à ses limites. Une petite amélioration de la netteté (pour composer le léger flou dû à la porosité du papier) et voilà !

image 7 - le résultat final
invitation lisière-edge 01 (2016)
tempera sur Arches 56x76cm

Votre image de travail est maintenant aussi bien que possible avec le minimum d'effort.
Il vous restera à transformer sa taille et son format d'enregistrement en fonction des besoins de votre imprimante ou de votre imprimeur !
On peut bien sûr affiner la balance des couleurs, corriger une dominante, etc. Mais quiconque ayant déjà tenté l'expérience sait que JAMAIS l'image de votre écran ne concorde à 100% avec celle de votre tirage. C'est donc en regardant un tirage à l'encre bien sèche que l'on peut espérer faire une correction en finesse.
Merci de votre attention.

Voici maintenant pour nos amis anglophones la traduction de Christina :

English traduction by Christina :

from painting to its digital photo reproduction

When finishing a painting and wanting to share it on the web, or to make premium prints on canvas or posters or cards, the question is how to achieve a faithful reproduction ?

Following is a method that I have developed and works really well.

Acquisition of the image

I use a digital camera 20 M. This is the minimum for making copies of A3, A2 or A1. For a painting of 56x76 cm, I reach a resolution of 158ppi, which is acceptable for a repro. We can go up to 300ppi so without visible pixelization. Therefore we are sure to reach an excellent quality for the smaller formats.

The second essential tool is a color chart. It's a little expensive to buy, but it is very rewarding in terms of quality and gain of time. It is indeed very difficult to perform corrections "on sight", as our brain is so effective in making self-correction.

The third essential tool is a good light. If you can take advantage of an overcast, but bright, weather, it will be perfect. A tripod will be useful if your APN has no corrective movement ! (stabilizer).

After having done your picture you will get this :
[image 2]

whereas one absolutely wants this :
[image 1]

Do not panic, here's how to do it.
[image 3]

comm: Load the image into GIMP and withdraw a color sample in the white part of the charter (red circle) with the eyedropper tool. You shall get a kind of light gray. Add a new layer filled with this color just above your base image.
[image 4]

comm: Pass this layer into split mode. Your white balance is ok.
[image 5]

comm: withdraw a color sample in the black part of the charter (red circle) with the eyedropper tool. You get a kind of dark gray. Add a new layer filled with this color over the two others.
[image 6]

comm: Pass this layer into overlay mode and reduce its opacity to 50% (check the result all the same).
[image 7]

You have now to ensure about the horizontality of your image that you'll eventually trim to its limits.

Your image is now as good as possible.

You'll just have to adjust its size and saving format according to the needs of your printer and/or your print worker !

One can, of course, refine the balance of colors, correct a dominant one, etc. but anyone that has tried this already, knows that the image on your screen is NEVER a 100% concordant with the one you just printed. Thus, it is only by looking at a drawing whose ink is really dry, that one can expect to achieve the finest correction.

Comment «revenir à l'idée»

La partie supérieure gauche et l'avant plan sont surtravaillés et
mal structurés simultanément

L'exécution spontanée d'une ou plusieurs étapes dans l'évolution d'un tableau peut parfois amener des débordements ou/et des excès. 

On ne les voit pas tout de suite, ou on n'est pas prêt de les modifier pour diverses raisons pouvant aller de la fatigue à l'ignorance des moyens à mettre en oeuvre pour y parvenir. Parfois, ce n'est qu'avec le temps que l'on peut voir un défaut apparu très progressivement, insensiblement.

Et un jour, on voit !

Que faire ? Pour moi, l'idéal est de pouvoir revenir à l'idée première.

Comment ? 

Deux solutions fonctionnent très bien pour moi, bien qu'elles soient parfois un peu brutale. Elles demandent donc un peu de courage et de «lâcher prise».

Première solution 

Une nouvelle structure de base est à nouveau disponible pour
des reprises colorées

On peut mettre un voile blanc plus ou moins translucide

(+) On aténue plus ou moins les défauts tout en conservant ce qui est acceptable ;

(-) On refroidit toutes les couleurs sous-jacentes.

Seconde solution

On lave la surface avec de l'eau, en frottant avec une éponge, un pinceau, un chiffon, ou tout ce qui semble convenir.
(+) On conserve -un peu- les teintes qui ne font que diminuer d'intensité ;
(-) On est parfois moins précis, il faut donc bien gérer les surprises.

Troisième solution

Utiliser les deux premières solutions à des degrés divers.  Ce que j'ai fait aujourd'hui !

L'avantage de ces deux moyens de correction est qu'ils autorisent les aléas d'une créativité vivante.

Et voici la version anglaise de Christina

Here is the english translation by Christina :

How to "go back to the idea"

The spontaneous performance of one or more stages in the evolution of a picture may sometimes cause overflows or / and excess.

We do not see them right away, or we are not ready to change them for various reasons ranging from fatigue to ignorance of the means to achieve this. Sometimes it is only with time that one can see a flaw appearing very gradually, imperceptibly.

And one day, you see !

What to do ? For me, the ideal is to go back to the first idea.

How ?

Both following solutions work well for me, although sometimes a bit roughly. So they require some courage and ability to "let go."

[Image: The top left and foreground are overworked and

poorly structured simultaneously]

first solution

You can put a white veil more or less translucent

(+) It more or less attenuates the defects while retaining what is acceptable;

(-) It cools up all the underlying colors.

second solution

Wash the surface with water, scrubbing with a sponge, a brush, cloth, or whatever seems appropriate.

(+) One preserves - a little - hues which only diminish in intensity;

(-) It is sometimes less precise, so you have to manage the upcoming surprises.

[Image: A new base structure is again available

colorful occasions]

third solution

Use the first two solutions to various degrees. What I did today!

The advantage of these two correction means is that they allow the hazards of life creativity.

Transformation et métamorphose

Beaucoup d'artistes travaillent sans thème, pour le seul plaisir de manipuler des matières colorées. D'autres se donnent pour mission de représenter leur sujet le plus fidèlement possible.
Pour ma part, je prends plaisir à matérialiser les symboles, qui habitent mon état d'esprit, à l'aide de couleurs et de formes que j'ai grand plaisir à mettre en oeuvre.

Voici l'aspect matériel, technique, lié au tableau de l'article précédent, dans lequel j'avais abordé les "lumières philosophiques" de l'image.

En fait, au départ,  j'avais simplement désiré faire le portrait dessiné d'un saule pleureur,weeping willow en anglais,  vu de deux angels différents, dans la technique du fusain. Ce devaient être de simples études du même arbre, que j'envisageais de peindre, le cas échéant, dans une composition à créer ultérieurement.

Ayant décidé de travailler sur une grande surface (88x63cm), les deux études formèrent ensemble, et de facto, une composition,  à laquelle je rajoutai un troisième végétal indéterminé pour offrir un équilibre plus satisfaisant à mes yeux. Constatez avec la première reproduction.

premier état

Pour le plaisir, j'ajoutais quelques pigments secs pour égayer le tout.
Le résultat, vous le voyez sur la seconde reproduction.

état second

A ce stade, je pouvais tout laisser tel quel, obtenant une composition achevée, dans une catégorie technique proche du dessin.
Je décidai néanmoins de transformer l'image en tableau coloré en utilisant les ressources propres à la tempera à l'oeuf.
J'obtins alors ce que nous voyons dans la troisième reproduction.

tiers état

Le saule pleureur s'appelle en latin le salix sepulcralis tristis. C'est exactement ce que je ressentais face à cette image : tristesse et morbidité.
Alors que j'aime la lumière.
Je restais quelques temps dans cette impasse.
Je décidais ensuite de reprendre la structure en modifiant complètement le bas du tableau. C'était laid, mais avait le mérite de me forcer à une alternative : tout abandonner ou repartir de presque zéro, ne gardant que le "souvenir visuel" de cette étape comme base de renouveau..

boulversement

C'est ce que je fis en voilant toute la surface d'une tempera au blanc de titane. Voyez cette "lessive" sur la cinqième reproduction.

temps de lessive

J'ai ensuite repris l'image sens dessus dessous pour retoucher la structure du dessin, sans savoir comment manifester ce qui devenait le thème du tableau :  je voulais une composition traitant de la lumière dans la lumière. 
J'ai conservé le souvenir des saules pour en faire les symboles des éceuils rencontrés et j'ai finalement ajouté une sorte de limite, d'horizon translucide qui matérialisait les deux domaines lumineux qui m'intéressaient, pour lesquels je me sentais vraiment impliqué.
Le résultat, vous l'avez vu dans l'article précédent. Je le reproduis ci-dessous pour mémoire.

lumières et éceuils 

Nefertitina - Un bon fond ?

 Anglophones, you're welcome ; if the google traduction (select your language in the right column) doesn't do it well, please find a little english résumé at the bottom of this article  :o)

Objectif

Dégradé de tons complémentaires

Après avoir tracé rapidement les corrections en donnant également les indications de température, il s'agit aujourd'hui de peindre le fond dans sa forme définitive (probablement :o)

Moyen

Les pigments blancs et bleu primaire ,
un pinceau petit-gris mouilleur n° 1,
le medium de base,
beaucoup de temps...

Bilan

La grosse difficulté dans l'exécutions de ce fond est le dégradé bleu vers rose-orangé, ou plutôt froid vers chaud, dans des valeurs très élevées en terme de luminosité.
Plus de cinq heures et demie de travail minutieux ; un résultat à la hauteur de la patience demandée.
Ce type de technique est tout-à-fait favorable à la méditation  :o)

English Résumé

This session, the background is (I hope) finished. The main difficulty lies in the execution of the color gradient, from cold to hot (lukewarm should I say). I think that the five and half hours of careful painting were worth it :o)

Nefertitina - Retour aux sources

 Anglophones, you're welcome ; if the google traduction (select your language in the right column) doesn't do it well, please find a little english résumé at the bottom of this article  :o)

Objectif

début de transformation

Après avoir encore une fois retoucher l'épaule de droite (son épaule gauche), m'est apparue une gêne. J'ai constaté une disharmonie entre ce que je voyais dans ma tête et sur le panneau. Cela ne semblait qu'un petit problème, mais je ne savais par quel bout le prendre.
Le seul moyen, faire du petit problème un gros problème, bien visible.
Je suis donc retourné à la source de mon idée, inscrite dans le premier croquis que j'ai fait pour ce projet. I suffisait ensuite de réaccorder les deux images. Simple

Matériel

Crayons de couleurs Polychromos, en base d'huile
Pigments habituels plus le cyan (bleu primaire de phtalocyanine, PB 15)
La tempera de base et les pinceaux de petit-gris n° 00 et 2.

Bilan

sous-couche achevée

Tout s'est bien passé, malgré une certaine retenue au début du processus. Normal, je m'étais déjà un peu attaché à l'image telle qu'elle était et... il est difficile de recouvrir un travail qui a déjà demandé pas mal d'énergie et de don de soi.
Mais une fois les premiers traits décisifs accomplis, ce fut un vrai plaisir que de retrouver enfin l'image telle que je l'avais rêvée  :o)
Bien entendu, le contraste apporté par le bleu sur sa complémentaire orangée est un peu fort dans le haut de l'image. J'équilibrerai cela en ajoutant de la luminosité sur le fond.
Il faudra également reprendre le détail de la chevelure entière !..
C'est pas grave, j'aime peindre  :o)

English Résumé

The purpose of this session is to re-establish the painting as I dreamed of it. The main difficulty concerns the "mourning" of all the work done until now. But it worths it. I used pencil in oil base and the usual brushes, medium and colours (+ cyan).
You'll notice that I gave a final form to her left shoulder.
One can consider there is too much contrast in top of the picture, due to adjacent complementary blue and orange. This will be harmonized later thank to higher tones of luminosity.
There's a lot more to do. I'm lucky : I love painting  :o)

Nefertitina - Seconde reprise

 Anglophones, you're welcome ; if the google traduction (select your language in the right column) doesn't do it well, please find a little english résumé at the bottom of this article  :o)

Objectif

J'ai aujourd'hui effectué la seconde reprise. J'ai modifié l'épaule sur la gauche et allongé l'épaule sur la droite.
J'ai également travailler la forme et la luminosité de la chevelure et son intégration au fond.

Matériel

Les pinceaux et couleurs habituels.

Bilan

Pour une seconde reprise, je suis assez content du résultat (provisoire), à l'exception de l'épaule de droite.
J'ai choisi de la prolonger un peu, en peignant au dessus du fond déjà en place. Le raccord a été assez long à faire, mais s'est tout de même bien passé. Par contre, on dirait que son bras manque. ==> Il faudra suggérer la forme de son bras.
Pour l'épaule de gauche, j'ai modifié sa forme en effaçant une partie du fond à l'éponge humide. L'opération fut très facile et rapide.

English Résumé

In this session I worked on the hair and background. I also modified both shoulders. The on on the left was shaped by erasing a part of the background with a sponge. The other one was painted over the background, which was more difficult to do.
One can see that her arm seems missing... A little work for next session.